I 10 film d'animazione più influenti di tutti i tempi / The 10 Most Influential Animated Films of All Time

Segnalato dal Dott. Giuseppe Cotellessa / Reported by Dr. Giuseppe Cotellessa

L'animazione ha fatto molta strada dai tempi di un topo fischiettante che pilotava un battello a vapore. Quella che era nata come una novità per simpatici personaggi che combinavano guai si è evoluta in un pilastro della narrazione moderna ed in una vera e propria miniera d'oro che spesso supera incassi rispetto alle sue controparti live-action (con grande disappunto di alcuni registi più seri).

Per celebrare i progressi compiuti da questa forma d'arte negli ultimi 100 anni, ho deciso di dedicare un po' di tempo, in questo " Mese del meglio ", ad esplorare dieci film d'animazione innovativi che hanno davvero plasmato il panorama creativo ben oltre i confini scintillanti di Hollywood.

Questi film hanno rivoluzionato il cinema, ispirando generazioni di artisti, registi e maghi della tecnologia. Dai primi esperimenti con il suono ed il colore agli spettacoli digitali che ci hanno costretto ad indossare orribili occhiali 3D, ogni film di questa lista ha ampliato i confini creativi del medium a modo suo.

Steamboat Willie (1928)

Tutto ebbe inizio con un topo, in particolare con un impertinente roditore dei cartoni animati che fischiettava nella storia del cinema. "Steamboat Willie" di Walt Disney introdusse il mondo a Topolino e, cosa ancora più importante, alle meraviglie del suono sincronizzato nell'animazione . Il pubblico del 1928 non aveva mai visto (o sentito) niente di simile: un personaggio dei cartoni animati perfettamente sincronizzato con musica ed effetti sonori, che di fatto annunciava una nuova era nel cinema d'animazione .

L'uso creativo del suono nel cortometraggio – dal fischio allegro di Topolino alla melodia ritmata di "Turkey in the Straw" – fu così convincente che i critici dell'epoca lo elogiarono come "un capolavoro di sincronizzazione". Oltre alla novità tecnica, Steamboat Willie ci ha regalato la prima mega-star dell'animazione.

Il fascino malizioso di Topolino ha conquistato i cuori di tutto il mondo, dando il via ad un impero di mascotte dei cartoni animati (ed ad un'infinita abbondanza di merchandising). Non male per un cortometraggio in bianco e nero di 7 minuti: è il cartone animato che ha lanciato un migliaio di personaggi ed una gigantesca casa di intrattenimento. Che dire di un topo che ruggiva?

Biancaneve ed i sette nani (1937)

Quasi un decennio dopo, Walt Disney scommise tutto su un lungometraggio d'animazione, una scommessa che Hollywood soprannominò "la follia Disney", finché non lo fu più. "Biancaneve ed i sette nani" fu il primo lungometraggio d'animazione in assoluto, a dimostrazione che il pubblico avrebbe davvero potuto restare seduto immobile per 83 minuti di magia fiabesca disegnata.

Il gruppo Disney ha tirato fuori tutti gli assi nella manica della creatività: i lussureggianti sfondi dipinti a mano, l'uso della telecamera multiplane per creare profondità nelle scene della foresta e del cottage, ed un adorabile ensemble di sette distinte personalità di nani (ognuna delle quali trae spunto dalla ricca vena di stranezze umane). Il risultato? Un trionfo artistico e commerciale rivoluzionario che ha messo a tacere i detrattori e ha aperto la strada all'animazione come mezzo cinematografico valido. Infatti, il successo di Biancaneve ha spinto altri studi a darsi da fare e ad aprire i propri reparti di animazione: l'imitazione è la forma più sincera di adulazione (o almeno una via per il profitto).

Il film valse a Walt Disney un Oscar onorario (con tanto di Oscar a grandezza naturale e sette Oscar in miniatura per ogni nano, consegnati nientemeno che da Shirley Temple). Ma, cosa ancora più importante, diede a Hollywood una preziosa lezione: il pubblico accoglierà la narrazione animata con lo stesso fervore di quella live action, a patto che ci siano creatività e passione. "Disney's Folly" si rivelò il brillante modello creativo della Disney, che l'industria cinematografica segue ancora oggi.

I viaggi di Gulliver (1939)

Nel 1939, mentre la Disney si crogiolava nel trionfo di Biancaneve, i Fleischer decisero di reagire. La loro arma: un adattamento de I viaggi di Gulliver, reso in Technicolor, intriso di farsa, satira e sensibilità newyorkese.

È difficile sopravvalutare quanto fosse audace. Mentre la Disney si affidava a fiabe e canzoni genuine, i Fleischer attingevano alla satira di Jonathan Swift: una guerra sulle melodie delle nozze reali, un gigante abbandonato in una terra in miniatura ed un banditore che sembrava uscito da Broadway. Il loro tono era tagliente: più irriverente, più urbano, meno raffinato – più "cartone animato con carattere".

I Fleischer si affidarono al rotoscopio (ricalco su filmati live-action) per Gulliver stesso, conferendogli un realismo concreto che contrastava con i lillipuziani gommosi e stilizzati. L'effetto è stridente nel migliore dei modi: il gigante si muove come un attore umano, mentre i piccoli personaggi rimbalzano e si allungano con pura logica da cartone animato. È una tensione visiva che sottolinea il divario tra i mondi. Aggiungete sfondi multipiano e sontuose scenografie dipinte, e otterrete un film che colpisce al di sopra del suo peso tecnico.

Nonostante i limiti di budget (la Paramount diede loro solo 18 mesi di tempo), i Fleischer realizzarono sequenze mozzafiato: Gulliver che si risveglia con una città brulicante sul suo braccio, Lillipuziani che combattono contro armate di piccole navi, re che danzano sul suo corpo. Non era la perfezione Disney, ma era vivace, ambizioso e giocoso.

Sebbene "I viaggi di Gulliver" non abbia mai eclissato Biancaneve in immortalità culturale, ottenne due nomination all'Oscar (per colonna sonora e canzone) nel 1940. Ancora più significativo, dimostrò che la Disney non era padrona del cinema d'animazione. I Fleischer dimostrarono che anche la satira, l'audacia visiva e l'irriverenza avevano il loro posto. L'eredità del rotoscopio sopravvisse, influenzando infine le tecniche fino all'attuale motion capture e all'animazione ibrida. Agli albori del cinema, " I viaggi di Gulliver" era la prova lampante che l'animazione non deve essere timida; poteva essere grandiosa, sfacciata ed incredibilmente inventiva.

Tron (1982)

Luci al neon e sintetizzatori: nel 1982, la Disney portò l'animazione alla frontiera del digitale con "Tron", un film che proiettava attori dal vivo in un mondo generato al computer . Quest'avventura fantascientifica fu il primo film a incorporare lunghe sequenze di immagini interamente generate al computer : 15 minuti di grafica CGI, un'esperienza allora inedita, che lasciò il pubblico dei primi anni '80 a bocca aperta. Critici e spettatori non sapevano bene cosa pensare del gergo tecnologico e del cyberspazio luminoso di Tron (a dire il vero, nemmeno la Disney lo sapeva: il film non fu un grande successo al botteghino).

Ma il senno di poi è sempre perfetto:Tron si è rivelato incredibilmente avanti rispetto ai suoi tempi, anticipando di tutto, dai moderni mondi "metaversi" VR ai dibattiti sull'intelligenza artificiale e l'identità digitale decenni prima che queste diventassero parole d'ordine di tendenza. L'estetica cruda in bianco e nero ed il concetto di un "utente" digitalizzato in un sistema informatico erano visionari: Matrix, Ready Player One e molti altri cliché del thriller tecnologico devono un debito silenzioso a Tron. Creativamente, Tron ha colmato il divario tra cinema analogico e digitale, con il regista Steven Lisberger che ha letteralmente inventato tecniche man mano che procedeva.

La sua influenza sul settore è stata enorme: Tron ha aperto la strada all'attuale era dello spettacolo in CGI, ispirando artisti del calibro di John Lasseter (co-fondatore della Pixar), che ha ammesso "senza Tron non ci sarebbe Toy Story" . Che approvazione entusiastica! Quindi, sebbene Tron non abbia entusiasmato tutti nell'82, ora è riconosciuto come un classico di culto che ha cambiato le regole del gioco per l'animazione digitale e gli effetti visivi – essenzialmente il nonno di ogni blockbuster di animazione al computer che è seguito. Non male per un film un tempo considerato una "stranezza elettronica".

Nausicaä della valle del vento (1984)

Prima che lo Studio Ghibli diventasse un nome noto, Miyazaki si dedicava al mito ed al vento. Nausicaä della Valle del Vento rappresenta quella svolta: un'epopea scintillante, selvaggia ed ecologica che ha fatto sì che il mondo intero si accorgesse delle ambizioni narrative degli anime.

Al centro c'è Nausicaä: una principessa feroce ed empatica che plana attraverso giungle tossiche a bordo di un deltaplano, comunica con insetti giganti e lotta per l'equilibrio in un mondo in rovina. È un fantasy travolgente, certo, ma anche una parabola di guerra, un trattato ambientalista ed una meditazione sul potere. E nel 1984, è certamente uno dei primi film d'animazione visti da molti fuori dal Giappone che ha osato essere serio, complesso e spudorato.

Tecnicamente, Nausicaä è una meraviglia. Miyazaki ha lavorato con un budget modesto, riuscendo comunque a realizzare dettagli mozzafiato: spore che vagano, nervature delle foglie che tremano, creature Ohmu che si muovono pesantemente attraverso le terre desolate. L'animazione sembra viva, non meccanica. Hideaki Anno, poi famoso per Evangelion, ha esordito nella sequenza culminante del Guerriero divino, infondendole un livello di pesantezza e terrore allora radicale.

Nausicaä ha anche gettato le basi dello Studio Ghibli. Il suo DNA (rispetto per la natura, personaggi moralmente ambigui, temi pacifisti, eroismo malinconico) pervade ogni film Ghibli successivo. Miyazaki non ha avuto paura di affrontare temi come la guerra, la miopia e l'arroganza umana, non nonostante fosse un film d'animazione, ma proprio per questo.

La sua influenza è vasta. Ha contribuito a legittimare l'anime come un medium maturo e autoriale per il pubblico globale. I creatori giapponesi lo indicano come fondamentale; anche oltre i confini del Giappone, echi di Nausicaä si diffondono all'esterno: nei videogiochi, nei blockbuster hollywoodiani. Guardate Star Wars: Il Risveglio della Forza e potreste intravedere la silhouette di Nausicaä negli abiti di Rey o nei motivi del vento del deserto. Quasi quarant'anni dopo, i venti di Nausicaä soffiano ancora.

Akira (1988)

Nel 1988, un film giapponese era impegnato a far impazzire il pubblico (ed, a volte, anche il pranzo) con le sue immagini animate viscerali. "Akira" , diretto da Katsuhiro Otomo, era un'epopea cyberpunk inondata di neon che ridefinì gli anime e costrinse il mondo a prendere sul serio l'animazione come mezzo per adulti . Ambientato in una Neo-Tokyo distopica sull'orlo dell'apocalisse psichica, Akira offriva immagini così dettagliate e fluide che persino i migliori animatori di oggi si commuovono silenziosamente guardando i loro storyboard con ammirazione.

Ecco un film d'animazione con bande di motociclisti, corruzione politica, mutazioni da body horror e nessuna simpatica spalla in vista. L'ambizione creativa era accompagnata da un'abilità tecnica: il gruppo di Otomo utilizzò notoriamente un numero insolito di fotogrammi di animazione ed una ricca tavolozza di colori per ottenere una fluidità ed una portata cinematografica senza precedenti. I temi complessi e maturi del film e la violenza brutale infrangevano lo stereotipo occidentale di "cartoni animati = roba per bambini", dimostrando che l'animazione poteva esplorare a testa alta contenuti oscuri ed intellettualmente stimolanti.

Akira non ha solo influenzato una generazione di creatori di anime; è uscito dal Giappone e si è infiltrato nella cultura pop globale. Dai registi di Hollywood ai fumettisti ed ai game designer, innumerevoli creatori citano Akira come pietra di paragone stilistica. Il suo impatto sul genere fantascientifico è altrettanto imponente: si trovano echi di Akira in tutto, da Matrix a Stranger Things. L' eredità di Akira può essere riassunta in una parola: liberazione. Ha liberato gli anime, rendendoli audaci ed intransigenti, e ha aperto le menti del pubblico occidentale alle possibilità dell'animazione come arte. In breve, Akira è arrivato su una moto futuristica, ha infranto le regole (insieme ad alcuni adolescenti telecinetici) e ha cambiato per sempre l'animazione.

Chi ha incastrato Roger Rabbit? (1988)

Ora immaginate che sia il 1988 e che entriate al cinema per vedere un film noir hard-boiled: solo metà dei personaggi sullo schermo sono bizzarri personaggi dei cartoni animati. "Chi ha incastrato Roger Rabbit" avrebbe dovuto essere la ricetta per un disastro, ma invece si è rivelato un trionfo rivoluzionario del cinema ibrido. Il regista Robert Zemeckis ha mescolato alla perfezione attori dal vivo con personaggi animati in un modo che Hollywood non aveva mai visto prima, così convincente che i dirigenti Disney inizialmente non si sono accorti di stare guardando un cartone animato nei primi filmati di prova.

La creatività del film derivava dal trattamento dei personaggi dei cartoni animati come veri e propri "attori" sulla scena: luci interattive, oggetti di scena fisici e meticolose ombreggiature disegnate a mano facevano sì che Roger Rabbit ed i suoi amici cartoni animati si sentissero palpabilmente presenti nel mondo reale. Tecnicamente e artisticamente, fu un tour de force. Ma l'influenza di Roger Rabbit non si limitò a far sì che un coniglio goffo quasi oscurasse Bob Hoskins. L'enorme successo del film contribuì a innescare la moderna rinascita dell'animazione alla Disney: gli storici gli attribuiscono il merito di aver rinnovato l'interesse del pubblico per l'animazione e di aver portato alla hit parade Disney di fine anni '80 e '90. Aprì anche le porte a crossover e cameo, unendo personaggi di Disney, Warner Bros. ed altri in un unico universo selvaggio (apripistando così il concetto di "universo cinematografico condiviso" molto prima che la Marvel lo rendesse di moda).

Col senno di poi, Roger Rabbit potrebbe essere uno dei film più influenti della sua epoca, punto. Le sue tecniche di inserimento di personaggi animati realistici in mondi live-action hanno gettato le basi per innumerevoli blockbuster a venire – da Gollum ne Il Signore degli Anelli alle scimmie digitali de Il Pianeta delle Scimmie, e ogni volta che si vede un personaggio in CG che scherza con un essere umano sullo schermo. In poche parole, Chi ha incastrato Roger Rabbit ha cambiato il modo in cui registi e pubblico hanno pensato di fondere animazione e realtà, il tutto offrendo al contempo un mistero comico e travolgente. Non male per un noir da detective in cui la femme fatale è letteralmente disegnata in quel modo.

Toy Story (1995)

"Verso l'infinito e oltre!" Non era solo lo slogan di Buzz Lightyear, ma la dichiarazione d'intenti della Pixar a metà degli anni '90. "Toy Story" ha fatto la storia come il primo lungometraggio animato interamente in CGI, rivoluzionando l'industria dell'animazione da un giorno all'altro. Immaginate un mondo senza rodovetri dipinti a mano, dove i protagonisti sono una bambola cowboy ed un astronauta di plastica realizzati da una stanza piena di computer all'avanguardia (con una potenza di calcolo inferiore a quella di un telefono di oggi). Questo era Toy Story, e nel 1995 non assomigliava a niente di mai visto prima.

Oltre all'impresa tecnica, il gruppo Pixar (guidato dal regista John Lasseter) ha offerto un capolavoro di narrazione e character design. Woody e Buzz non erano solo materiale di merchandising; erano personaggi completamente realizzati, dotati di umorismo, difetti e cuore – un fatto che ha contribuito a convincere il pubblico scettico che l'animazione digitale potesse avere un'anima. Dal punto di vista creativo, Toy Story ha inaugurato una nuova era in cui gli studi di animazione hanno spostato l'attenzione dal tradizionale 2D al 3D scintillante: il film ha mostrato la potenza dei computer nel creare mondi e personaggi 3D vibranti, gettando di fatto le basi per il futuro dei film d'animazione. Il risultato? Una valanga di effetti speciali in CGI negli anni successivi (alcuni brillanti, altri... meno), mentre ogni studio gareggiava per avere il proprio successo in stile Pixar.

Toy Story ha anche dimostrato che un film d'animazione può essere un blockbuster a quattro quadranti per bambini ed adulti, con una sceneggiatura incisiva (grazie, Joss Whedon ed il suo gruppo), battute ed una genuina risonanza emotiva. Ha fatto vincere a Lasseter l'Oscar Speciale per "aver portato sullo schermo il primo lungometraggio d'animazione al computer", ma forse ancora più importante, ha consolidato la partnership tra Pixar e Disney come nuovo duo dominante dell'animazione. Decenni dopo, il modello del duo di amici e le tecniche CGI sperimentate in Toy Story sono diventati prassi consolidata. La prossima volta che vi ritroverete a commuovervi per giocattoli, auto od emozioni animati (grazie, Inside Out ), ricordate di ringraziare Toy Story: il piccolo film che ha dimostrato che l'animazione digitale può raggiungere nuove vette magiche senza perdere il calore del tocco umano.

I gemelli di Belleville (2003)

"Les Triplets de Belleville" di Sylvain Chomet è la prova che il silenzio può gridare. È un film in cui si pronunciano pochissime parole, eppure sembra dire molto, ogni secondo dei suoi 80 minuti di durata.

In sostanza, la narrazione è ingannevolmente semplice: una nonna risoluta (Madame Souza), il suo ossessivo nipote ciclista e un trio di eccentriche cantanti jazz frittrici di rane (ovviamente) si imbarcano in una missione di salvataggio. Ma Chomet non ha bisogno di dialoghi per dare corpo al personaggio od al tono. Al contrario, ogni inquadratura trabocca di arguzia visiva e nasi esagerati, piccole labbra increspate e marchingegni alla Rube Goldberg che sembrano evolversi da una scena all'altra.

Le influenze di Chomet sono onnipresenti nel film: imbroglioni del cinema muto come Tati e Keaton, che riecheggiano nella comicità fisica; ed i primi cartoni animati, elastici e squillanti. Eppure non sembra mai derivativo. Il mondo che costruisce ha un che di nostalgico ed inquietante, come se un cortometraggio di Fleischer degli anni '30, ormai perduto, fosse scivolato nella coscienza dell'animazione moderna ed avesse subito una trasformazione.

Ciò che rende Belleville un film imperdibile è la sua dedizione alla narrazione visiva ed alla sensibilità tattile. La palette di colori è tenue, le linee volutamente disegnate a mano, l'animazione intrisa di deliziose stranezze. In un'epoca in cui l'animazione al computer stava divorando il mercato, Chomet ci ha offerto un audace contrappunto: ha usato la computer grafica con parsimonia e, quando lo ha fatto, l'ha resa evidente; un contrasto audace e sfacciato con la patina patinata dei lungometraggi mainstream. Un'inquadratura memorabile mostra i protagonisti disegnati a mano alla deriva in un oceano palesemente in CGI, come se il film stesse ammiccando: "Visto? Non dimenticare matita e inchiostro". Ogni fotogramma comunica attraverso gesti, odori, movimenti e musica, trascinando lo spettatore in una fantasticheria da film muto in cui gag visive e riff jazz giungono come segreti sussurrati.

"The Triplets of Belleville" non si limitò ad affascinare la critica (ma deluse anche le aspettative). Ricevette due nomination all'Oscar, tra cui quella per il Miglior Film d'Animazione), un'impresa rara all'epoca per un film d'animazione non in lingua inglese, vietato ai minori di 13 anni. Ma, cosa ancora più importante, trasmise un messaggio agli animatori di tutto il mondo: non è necessario seguire il copione Disney-Pixar. Si possono superare i limiti, si può rinunciare all'assurdo ed al silenzio, e si può comunque emozionare profondamente il pubblico. In breve: dimenticate i dialoghi, ricordate la meraviglia.

Fantastico Mr. Fox (2009)

Immaginate Wes Anderson che prende la furba volpe di Roald Dahl e la trasforma in un antieroe meticolosamente vestito e rifinito in un diorama. Questo è Fantastic Mr. Fox. È andersonismo in forma vissuta: umorismo asciutto, inquadrature simmetriche, strane disfunzioni, ora con volpi, tassi e donnole.

Questa è stata la prima incursione completa di Anderson nell'animazione, e non ha abbandonato il suo stile distintivo. Il risultato è una fata (o favola) stop-motion tattile ed artigianale, avvolta nella sensibilità indie. Dal momento in cui si vedono la giacca di velluto a coste e la pelliccia arruffata del signor Fox (che, sì, ondeggia ancora tra un fotogramma e l'altro perché non è stata fatta alcuna levigatura) ci si rende conto che questa è animazione come oggetto, non illusione. Le cuciture, le impronte digitali, i bordi irregolari non rompono l'incantesimo, lo creano. Come ha detto un osservatore, "I pollici e le impronte digitali degli animatori non sono nascosti... non c'è alcun tentativo di coprirli".

Ogni inquadratura sembra ossessivamente diretta artisticamente: foglie autunnali, casse rovinate dal tempo, alberi in miniatura. È come se qualcuno avesse costruito una mood board di Wes Anderson nella vita reale e poi l'avesse fotografata. Le sequenze d'azione (una rapina in una fattoria, un inseguimento sotterraneo con un beagle, un gioco di nuova invenzione chiamato Whack-Bat) sono low-tech, incredibilmente inventive ed emozionanti proprio perché non si affidano a spettacolari effetti speciali. Trasmettono un senso di intimità. Sembrano fatte a mano.

Per quanto riguarda i dialoghi, il film è puramente Anderson: frizzante, ironico, a tratti malinconico. (E sì, gli animali sostituiscono le parolacce con "imprecazioni". Frasi come "Stai imprecando con me?" sono più dure di quanto ci si aspetterebbe.) Il cast ha registrato sul posto, per preservare l'imperfezione ambientale e l'autenticità, un ulteriore cenno all'anima tattile del film.

Oltre al suo status di cult, Fantastic Mr. Fox ha fatto scalpore nel mondo dell'animazione. Ha debuttato in un momento in cui gli studi si stavano preparando per il predominio della computer grafica e sussurravano: "La stop-motion conta ancora". Ha ottenuto candidature all'Oscar per il miglior film d'animazione e la migliore colonna sonora originale, a dimostrazione che l'abilità e la curiosità potevano ancora suscitare rispetto nell'industria. Inoltre, ha contribuito ad alimentare una rinascita della stop-motion nel XXI secolo. Anderson stesso sarebbe tornato al medium con L'isola dei cani, ed autori come Guillermo del Toro si sono da allora dedicati all'animazione, incoraggiati dal suo precedente. Senza il signor Fox in un abito a spina di pesce, quest'onda visibile e artigianale potrebbe non essere arrivata così lontano.

Considerazioni finali

Questi dieci film rappresentano pietre miliari fondamentali nell'evoluzione dell'animazione, ognuno dei quali ha rappresentato una pietra miliare creativa che ha influenzato innumerevoli altri. Dall'innocenza disegnata a mano di Steamboat Willie e Biancaneve, agli esperimenti innovativi di Tron, fino ai trionfi di Roger Rabbit che fonde generi e tecnologie, dimostrano come l'animazione si sia continuamente reinventata. In particolare, molte di queste opere non hanno solo fatto progredire la tecnica, ma hanno anche cambiato la percezione. Hanno dimostrato che l'animazione può essere sofisticata, rischiosa, adulta e profondamente artistica, il tutto divertendo il bambino che è in ognuno di noi.

Nell'era odierna di tendenze creative in rapida evoluzione e tecnologie emergenti (cinema VR? Mini-film generati dall'intelligenza artificiale? La mente è confusa), vale la pena di fare un inchino a questi film influenti delle case di animazione più rispettate al mondo . Ci ricordano che dietro ogni nuovo strumento o tendenza, è la scintilla creativa che conta davvero. Dopotutto, a cosa serve il metaverso se non c'è la magia di Topolino odil cuore di Miyazaki a riempirlo? L'industria dell'animazione, ed il mondo creativo in generale, continuano ad essere plasmati dalle visioni audaci di questi pionieri. E se la storia ci insegna qualcosa, qualche futuro film "animato" influente potrebbe essere in incubazione proprio ora, pronto a sconvolgere ancora una volta le nostre aspettative.

Mentre scorrono i titoli di coda nella nostra hall of fame dell'animazione, tuttavia, una cosa è chiara: nessuno di quei film rivoluzionari si è materializzato senza un gruppo di animatori d'eccezione (e forse un pizzico di polvere di fata). Se siete uno studio, un'agenzia od un creatore indipendente desideroso di creare la prossima grande storia visiva, attenzione allo spoiler: avrete bisogno di alcuni dei migliori talenti dell'animazione per riuscirci, ed assumere un animatore non è così semplice come ai tempi della Disney e dei Fleischer.

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ENGLISH

Animation has come a long way from the days of a whistling mouse piloting a steamboat. What began as a novelty for cute characters making mischief has evolved into a cornerstone of modern storytelling and a cash cow that often out-grosses its live-action counterparts (much to the eternal chagrin of some more seriousfilmmakers).

To celebrate just how far the artform has come over the last 100 years, I’ve decided to take some time this “Best of Month” to explore ten groundbreaking animated films that truly shaped the creative landscape far beyond the glittery confines of Hollywood.

These films are the game-changers that inspired generations of artists, filmmakers, and tech wizards. From early experiments in sound and color to digital spectacles that had us all wearing ghastly 3D glasses, each film on this list pushed the medium’s creative boundaries in its own way.

Steamboat Willie (1928)

It all started with a mouse – specifically, a cheeky cartoon rodent whistling his way into cinema history. Walt Disney’s “Steamboat Willie” introduced the world to Mickey Mouse and, more importantly, to the wonders of synchronized sound in animation. Audiences in 1928 had never seen (or heard) anything like it: a cartoon character perfectly timed to music and sound effects, essentially heralding a new era in animated filmmaking.

The short’s creative use of sound – from Mickey’s jaunty whistling to the rhythmic “Turkey in the Straw” tune – was so convincing that critics at the time praised it as “a peach of a synchronization job”. Beyond the technical novelty, Steamboat Willie gave us animation’s first mega-star.

Mickey’s mischievous charm captured hearts globally, kick-starting a cartoon mascot empire (and an endless merchandising bonanza). Not bad for a 7-minute black-and-white short – it’s the cartoon that launched a thousand characters, and one gargantuan entertainment company. Talk about a mouse that roared.

Snow White and the Seven Dwarves (1937)

Nearly a decade later, Walt Disney bet the farm on a feature-length cartoon – a gamble Hollywood dubbed “Disney’s Folly” until it wasn’t. “Snow White and the Seven Dwarfs” was the first-ever feature-length animated film, proving that audiences would indeed sit still for 83 minutes of drawn fairy-tale magic.

Disney’s team pulled out all the creative stops: the lush hand-painted backgrounds, the use of the multiplane camera to create depth in the forest and cottage scenes, and a lovable ensemble of seven distinct dwarf personalities (each mined from the rich vein of human quirks). The result? A groundbreaking artistic and commercial triumph that silenced the naysayers and paved the way for animation as a viable feature film medium. In fact, Snow White’s success led other studios to scramble and start their own animation departments – imitation being the sincerest form of flattery (or at least a path to profit).

The film earned Walt Disney an honorary Academy Award (complete with one full-size Oscar and seven pint-sized ones for each dwarf, presented by Shirley Temple, no less). More importantly, it taught Hollywood a valuable lesson: audiences will embrace animated storytelling with the same fervor as live action, as long as the creativity and heart are there. “Disney’s Folly” turned out to be Disney’s Brilliantly Creative Blueprint – one that the industry still follows to this day.

Gulliver’s Travels (1939)

In 1939, while Disney was basking in Snow White’s triumph, the Fleischers decided to push back. Their weapon: an adaptation of Gulliver’s Travels, rendered in living Technicolor, drenched in slapstick, satire, and New York sensibility.

It’s hard to overstate how bold that was. While Disney leaned into fairy tales and wholesome songs, the Fleischers tapped Jonathan Swift’s satire — a war over royal wedding tunes, a giant stranded in miniature land, and a town crier sounding like he wandered off Broadway. Their tone had edge: more irreverent, more urban, less polished — more “cartoon with attitude.”

The Fleischers leaned on rotoscoping (tracing over live-action footage) for Gulliver himself, giving him a grounded realism that contrasted with the rubbery, stylised Lilliputians. The effect is jarring in the best possible way: the giant moves like a human actor, while the tiny folk bounce and stretch in pure cartoon logic. It’s a visual tension that underlines the gulf between worlds. Add in multi-plane backgrounds and lavish painted scenery, and you get a film that punches above its technical weight.

Despite budgetary constraints (Paramount gave them just 18 months), the Fleischers pulled off jaw-dropping sequences: Gulliver awakening to a teeming city on his arm, Lilliputians battling armadas of tiny ships, kings dancing across his body. It wasn’t Disney perfection — but it was lively, ambitious, and playful.

While Gulliver’s Travels never eclipsed Snow White in cultural immortality, it did earn two Oscar nominations (score and song) in 1940. More significantly, it proved Disney didn’t own the feature animation space. The Fleischers showed that satire, visual audacity, and irreverence had a place too. The rotoscoping legacy lived on — eventually influencing techniques all the way into motion-capture and hybrid animation today. In the early age of features, Gulliver’s Travels stood tall as proof: animation need not be timid; it could be big, brash, and wildly inventive.

Tron (1982)

Cue the neon lights and synthesizers: in 1982, Disney took animation into the digital frontier with “Tron,” a film that zapped live actors inside a computer-generated world. This sci-fi adventure was the first movie to incorporate lengthy sequences of entirely computer-generated imagery – a then unheard-of 15 minutes of CGI graphics that left early ‘80s audiences gobsmacked. Critics and viewers didn’t quite know what to make of Tron’s techno-babble and glowing cyberspace (truth be told, Disney didn’t either – the film wasn’t a huge box-office hit).

But hindsight is 20/20: Tron turned out to be freakishly ahead of its time, foreshadowing everything from modern VR “metaverse” worlds to debates about AI and digital identity decades before these were trendy buzzwords. The film’s stark black-and-neon aesthetics and concept of a “user” getting digitized into a computer system were visionary – The Matrix, Ready Player One, and plenty of tech-thriller tropes owe a silent debt to Tron. Creatively, Tron bridged the gap between analog and digital filmmaking, with director Steven Lisberger literally inventing techniques as he went.

Its influence on the industry was enormous: Tron paved the way for today’s era of CGI spectacle, inspiring the likes of John Lasseter (Pixar’s co-founder), who admitted “without Tron there would be no Toy Story”. Talk about a glowing endorsement! So while Tron may not have wowed everyone in ’82, it’s now recognized as a cult classic that changed the game for digital animation and visual effects – essentially the granddaddy of every computer-animated blockbuster that followed. Not bad for a film once considered an “electronic oddity.”

Nausicaä of the Valley of the Wind (1984)

Before Studio Ghibli was a household name, Miyazaki was moonlighting in myth and wind. Nausicaä of the Valley of the Wind is that turning point — a shimmering, wild, ecological epic that made the world sit up and notice anime’s narrative ambitions.

At its heart is Nausicaä: a fierce, empathic princess gliding across toxic jungles on a hang-glider, communing with giant insects, and fighting for balance in a broken world. It’s a sweeping fantasy, yes — but also a war parable, an environmental tract, and a meditation on power. And in 1984, certainly one of the first animated films many outside Japan saw that dared to be serious, complex, unashamed.

Technically, Nausicaä is a marvel. Miyazaki worked on a modest budget, and still delivered breathtaking detail — spores drifting, leaf veins quivering, Ohmu creatures lumbering across wastelands. The animation feels alive, not mechanical. Hideaki Anno, later famous for Evangelion, got his start in the climactic God Warrior sequence, infusing it with a then-radical level of weight and dread.

Nausicaä also laid the foundation of Studio Ghibli. Its DNA (reverence for nature, morally ambiguous characters, pacifist threads, wistful heroism) courses through every Ghibli film that followed. Miyazaki wasn’t afraid to tackle themes like war, myopia, human hubris, not in spite of being animated, but because of it.

Its influence is vast. It helped legitimize anime as a mature, auteur medium to global audiences. Japanese creators point to it as foundational; even beyond Japan, echoes of Nausicaä ripple outward — in video games, in Hollywood blockbusters. Watch Star Wars: The Force Awakens, and you might glimpse Nausicaä’s silhouette in Rey’s clothing or desert wind motifs. Nearly forty years on, the winds of Nausicaä still blow.

Akira (1988)

In 1988, a film from Japan was busy blowing people’s minds (and, occasionally, their lunch) with its visceral animated imagery. “Akira”, directed by Katsuhiro Otomo, was a neon-drenched cyberpunk epicthat redefined anime and forced the world to take animation seriously as a medium for adults. Set in a dystopian Neo-Tokyo teetering on the edge of psychic apocalypse, Akira served up visuals so detailed and fluid that even today’s best animators quietly weep into their storyboards in admiration.

Here was an animated film with motorcycle gangs, political corruption, body horror mutations – and no cute sidekicks in sight. The creative ambition was matched by technical prowess: Otomo’s team famously used a then-unusual number of animation frames and a rich color palette to achieve unprecedented smoothness and cinematic scope. The film’s complex, mature themes and brutal violence shattered the Western stereotype of “cartoons = kiddie stuff,” proving that animation could explore dark, intellectually challenging content head-on.

Akira didn’t just influence a generation of anime creators; it escaped Japan and infiltrated global pop culture. From Hollywood directors to comic artists and game designers, countless creators cite Akira as a stylistic touchstone. Its impact on the science fiction genre is similarly massive – you see echoes of Akira in everything from The Matrix to Stranger Things. The legacy of Akira can be summed up in one word: liberation. It liberated anime to be bold and uncompromising, and it liberated Western audiences’ minds to the possibilities of animation as art. In short, Akira rode in on a futuristic bike, blew up the rules (along with a few telekinetic teens), and left animation forever changed.

Who Framed Roger Rabbit? (1988)

Now imagine it’s 1988 and you walk into a cinema to see a hard-boiled film noir – only half the characters on screen are zany cartoon figures. “Who Framed Roger Rabbit” should have been a recipe for disaster, but instead it became a revolutionary triumph of hybrid filmmaking. Director Robert Zemeckis seamlessly blended live-action actors with animated characters in a way Hollywood had never seen – so convincing that Disney executives initially couldn’t tell they were watching a cartoon in early test footage.

The film’s creative mojo came from treating the cartoon figures as real “actors” in the scene: interactive lighting, physical props, and meticulous hand-drawn shading made Roger Rabbit and his toon pals feel palpably present in the live world. Technically and artistically, it was a tour de force. But Roger Rabbit’s influence didn’t stop at making one goofy rabbit almost upstage Bob Hoskins. The movie’s massive success helped spark the modern animation renaissance at Disney – historians credit it with renewing the public’s interest in animation and leading to the Disney hit parade of the late ’80s and ’90s. It also opened the floodgates for crossovers and cameos, uniting characters from Disney, Warner Bros., and beyond in one wild universe (thus pioneering the concept of a “shared cinematic universe” long before Marvel made it cool).

In retrospect, Roger Rabbit might be one of the most influential films of its era, period. Its techniques of inserting lifelike animated characters into live-action worlds laid the groundwork for countless blockbusters to come – from Gollum in Lord of the Rings to the digital apes of Planet of the Apes, and every time you see a CG character bantering with a human on screen. Simply put, Who Framed Roger Rabbit changed the way filmmakers and audiences thought about blending animation with reality, all while delivering a rollicking comedic mystery. Not bad for a gumshoe noir where the femme fatale is literally drawn that way.

Toy Story (1995)

“To infinity and beyond!” It wasn’t just Buzz Lightyear’s catchphrase – it was Pixar’s mission statement in the mid-90s. “Toy Story” made history as the first feature film animated entirely with CGI, and it revolutionized the animation industry overnight. Imagine a world with no hand-painted cels, where your protagonists are a cowboy doll and a plastic spaceman rendered by a room full of cutting-edge computers (with less computing power than your phone has now). That was Toy Story, and in 1995 it looked like nothing we’d ever seen.

Beyond the technical feat, Pixar’s team (led by director John Lasseter) delivered a masterclass in storytelling and character design. Woody and Buzz weren’t just merchandising fodder; they were fully realized characters with humor, flaws, and heart – a fact that helped convince skeptical audiences that digital animation could have a soul. Creatively, Toy Story ushered in a new era where animation studios shifted focus from traditional 2D to shiny 3D – the film showcased the power of computers to create vibrant, 3D worlds and characters, effectively setting the stage for the future of animated movies. The result? An avalanche of CGI features in the years that followed (some brilliant, some… less so), as every studio raced to have its own Pixar-style hit.

Toy Story also proved that an animated film could be a four-quadrant blockbuster for kids and adults alike, with sharp writing (thank you, Joss Whedon and team), in-jokes, and genuine emotional resonance. It snagged Special Achievement Oscars for Lasseter for “bringing the first computer-animated feature to the screen”, but perhaps more importantly, it cemented Pixar and Disney’s partnership as the new reigning duo of animation. Decades later, the buddy-duo template and the CGI techniques pioneered in Toy Story are standard practice. Next time you find yourself tearing up over animated toys, cars, or feelings (thanks, Inside Out), remember to thank Toy Story – the little film that proved digital animation could reach magical new heights without losing the warmth of the human touch.

The Triplets of Belleville (2003)

Sylvain Chomet’s The Triplets of Belleville is proof that silence can shout. This is a film where very few words are spoken, yet it feels like it's saying volumes, every second of its 80-minute runtime.

At its core, the narrative is deceptively simple: a resolute grandmother (Madame Souza), her obsessive cyclist grandson, and a trio of eccentric, frog-frying jazz chanteuses (of course) embark on a rescue mission. But Chomet doesn’t need dialogue to flesh out character or tone. Instead, every frame brims with visual wit and exaggerated noses, tiny pursed lips, and Rube Goldberg contraptions that seem to evolve across scenes.

Chomet’s influences are all over the film: silent-era tricksters like Tati and Keaton, echoing in the physical comedy; and early cartoons, elastic and off-kilter. Yet he never feels derivative. The world he builds feels both nostalgic and uncanny, as if a lost 1930s Fleischer short slipped into modern animation consciousness and mutated.

What really cements Belleville as essential viewing is its devotion to visual storytelling and a tactile sensibility. The colour palette is muted, the lines deliberately hand-drawn, the animation imbued with delightful quirks. In an era when computer animation was gobbling the market, Chomet gave us an audacious counterpoint: he used CG sparingly and when he did, he made it obvious; a bold, cheeky contrast to the polished sheen of mainstream features. One memorable shot has the hand-drawn protagonists adrift upon a blatantly CGI ocean, as though the film is winking: “See? Don’t forget pencil and ink.” Each frame communicates via gesture, scent, movement, and music, drawing the viewer into a silent-era reverie where sight gags and jazz riffs land like whispered secrets.

The Triplets of Belleville didn’t just charm critics (it rattled expectations. It received two Oscar nominations, including Best Animated Feature) a rare feat at the time for a non-English, PG-13 animated film. More importantly, it delivered a message to animators everywhere: you don’t have to follow the Disney-Pixar playbook. You can push boundaries, you can trade in absurdity and silence, and you can still move an audience profoundly. In short: forget the dialogue, remember the wonder.

Fantastic Mr. Fox (2009)

Imagine Wes Anderson taking Roald Dahl’s sly fox and turning him into a diorama-bound, meticulously outfitted antihero. That’s Fantastic Mr. Fox. It’s Andersonism in felt form: dry humour, symmetric framing, quirky dysfunction, now with foxes, badgers, and weasels.

This was Anderson’s first full-length foray into animation, and he didn’t leave his signature style behind. What results is a tactile, handcrafted stop-motion fairy (or fable) wrapped in indie sensibility. From the moment you see Mr. Fox’s corduroy jacket and tousled fur (which, yes, still ripples between frames because no smoothing-out was done) you realize this is animation as object, not illusion. The seams, fingerprints, rough edges don’t break the spell, they make it. As one observer put it, “The thumbs and fingermarks of animators are not hidden … there’s no attempt to cover them up.”

Every shot feels obsessively art directed: autumn leaves, weathered crates, miniature trees. It’s as if someone built a Wes Anderson mood board in real life and then photographed it. The action sequences (a farmhouse heist, a subterranean beagle chase, a newly invented game called Whack-Bat) are low-tech, wildly inventive, and thrilling precisely because they don’t rely on CGI spectacle. They feel intimate. They feel handmade.

Dialogue-wise, the film is pure Anderson: crisp, ironic, occasionally melancholic. (And yes animals do substitute “cuss” for swears. Lines like “Are you cussing with me?” land harder than you’d expect.) The cast recorded in situ, for ambient imperfection and authenticity as another nod to the film’s tactile soul.

Beyond its cult status, Fantastic Mr. Fox made ripples in the animation world. It hit at a time when studios were lining up for CG dominance and whispered: “Stop-motion still matters.” It earned Oscar nods for Best Animated Feature and Original Score; proof that craft and curiosity could still command industry respect. More than that, it helped fuel a revival of stop-motion in the 21st century. Anderson himself would return to the medium with Isle of Dogs, and auteurs like Guillermo del Toro have since drifted into animation, buoyed by his precedent. Without Mr. Fox in a herringbone suit, this visible, handmade wave might not have rolled quite so far.

Closing Thoughts

These ten films represent pivotal stepping stones in the evolution of animation – each one a creative milestone that influenced countless others. From the hand-drawn innocence of Steamboat Willie and Snow White, to the boundary-pushing experiments of Tron, to the genre-blending and tech-fusing triumphs of Roger Rabbit, they show how animation has continually reinvented itself. Notably, many of these works didn’t just advance technique; they changed perceptions. They proved that animation can be sophisticated, risky, adult, and profoundly artful – all while entertaining the kid in all of us.

In today’s era of rapid-fire creative trends and emerging technologies (VR theaters? AI-generated mini-movies? The mind boggles), it’s worth tipping our hat to these influential films from the world's most respected animation companies. They remind us that behind every new tool or trend, it’s the creative spark that truly matters. After all, what use is the metaverse if there’s no Mickey Mouse magic or Miyazaki heart to fill it? The animation industry, and the broader creative world, continues to be shaped by the bold visions of these trailblazers. And if history is any guide, some future influential “animated” film might be incubating right now – ready to upend our expectations once again.

As the credits roll on our animated hall of fame, however, one thing’s clear: none of those groundbreaking films materialized without a crack team of animators (and perhaps a sprinkle of pixie dust). If you’re a studio, agency or indie creator itching to craft the next great visual story, spoiler alert: you’re going to need some top animation talent to pull it off and hiring an animator isn't quite as straightforward as it was in the days of Disney and The Fleischers.

Luckily, recruiting your own dream team of animators is far easier than embarking on an epic quest – just post a job for an animator on Creativepool. It’s fast, simple, and gets your brief in front of a global pool of creative professionals. Let’s face it: it beats waiting around for a cartoon fairy godmother to drop an animator on your doorstep.

Let the Right Animator Find You

So, you’ve laid down a killer job brief, nailed your budget and deliverables, sorted the format, and hit “Publish.” That’s the hard part done. Now the fun begins.
Posting a role on Creativepool isn’t just a case of broadcasting. It’s like sending up the bat signal! When you post a creative job, you’re tapping into a global network of animators, motion designers, visual storytellers and dreamers who are already thinking in frames, curves, and keyframes.
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Be responsive: Animators are often juggling multiple gigs. If you take days to reply, chances are they’ll accept someone else’s offer. Keep your messages clear. A quick “thanks, got it” is better than radio silence.
Ask for process, not just portfolio: A star reel is seductive; but ask candidates to walk you through their workflow (storyboards, animatics, timing tests). You'll get a glimpse of how they think, not just what they’ve done.
Test with bite-sized assignments: Offer a small paid task (e.g. a 5-second loop, or a simple walk cycle) to see how they communicate, stick to style, take feedback. That minimizes risk for both sides before plunging into the full project.
Negotiate fairly, transparently: Be clear about payment schedule, rights (usage, licensing), revisions. Animators respect clarity. It’s in your interest to avoid surprise scope creep or legal tangles down the line.
Build a relationship, not a one-off job: If someone knocks your socks off, keep them in mind. Bring them back for future projects or offer a retainer. The smoother your communication, the more they’ll bend over backward for you.
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Let the frames speak and let the animators come to you. When your project lands in the hands that love to animate, the unexpected magic begins.
So go ahead and give it a whirl – posting a job is quick, painless, and who knows? The next entry on the most influential animated films list might just be the one your team brings to life.

Da:

https://creativepool.com/magazine/inspiration/the-10-most-influential-animated-films-of-all-time.33627

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